Marion Cadet

Du noir et du blanc, l’artiste ne travaille que la peinture à l’huile noire. Elle la travaille en touches larges, denses ou affleurantes. Les mouvements de ses pinceaux sont chargés ou parfois juste griffés. Ils sculptent l’ombre, absorbent et ralentissent la lumière tandis qu’en contre-point la blancheur du vide devient éclatante. Le contraste s’établit entre la précision des détails et l’aspect brut lié à la technique employée : un côté esquissé mais en même temps un aspect quasi-photographique. A l’ère du numérique et du virtuel, cette facture originale revendique une représentation de l’instantané en peinture.
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Marion Cadet est née en 1989 à Paris et peint depuis son plus jeune âge. Ce qui ne l’empêche pas de devenir architecte. Mais sa passion initiale la rattrape : en 2014 elle reçoit au Grand Palais à Paris la médaille de bronze du Salon des Artistes Français. Elle décide alors de devenir peintre professionnelle. Elle est aujourd’hui une valeur émergente de l’art contemporain en France. Après avoir vécu à Paris puis Annecy quelques années, elle est revenue vivre en région lyonnaise, où elle a grandi.

Ses toiles s’appuient sur un travail intensif de prises de vue qui, après sélection, vont alimenter son inspiration.

l’ENTRAIDE

« L’Entraide » s’inscrit dans la continuité du travail de la peintre sur le rire et la féminité : un sujet, un objectif. Le dessin est volontairement simple, clair et sans couleur pour aller à l’essentiel, sans discours ni barrière de langue. Ce tondo d’un mètre, pensé comme un format facile à porter et presque à câliner, représente la main de son fils et la sienne. La main tenue, la main tendue à autrui, devient un geste universel de douceur, de tendresse et d’apaisement, en écho à l’accompagnement des Baroudeurs de l’Espoir auprès des enfants.

Ceb c’est bien

Autodidacte Ceb, de son vrai nom Brice Masson, décide d’exploiter les sneakers comme support visuel, pour, comme il aime à le redire, faire voyager l’art, votre œuvre vous plaît, alors qu’elle vous suive au quotidien.

Que ce soit des couleurs, des créations, des envies, l’art est partout.
Ce concept nouveau et inédit grandit d’année en année, exposition en galerie, événements, collaboration pour aider son prochain à travers des associations, il aime promouvoir la custom, et véhiculer son art.

Espoir et Renouveau

Ceb C Bien détaille ici la symbolique par élement
​La Mésange Bleue : Sur la chaussure gauche, un oiseau vif et joyeux symbolise la légèreté et la curiosité. Elle représente cet élan qui nous pousse à explorer de nouveaux horizons.
​La Main de la Création : Sur la chaussure droite, une réinterprétation moderne du geste de Michel-Ange. Ici, la main ne reçoit pas seulement la vie, elle la crée grâce au pinceau, rappelant que nous sommes les propres artistes de notre destin.
​La Floraison : Les branches de cerisiers en fleurs (Sakura) enlacent les deux chaussures. Symbole universel du printemps, elles incarnent la beauté éphémère et la force du renouveau après chaque hiver, ou période difficle
​Le choix des couleurs: Un côté solaire et chaleureux (rouge, jaune, orange) pour l’énergie de la création.Un côté bleu azur et profond pour la sérénité, la nature et l’évasion.
L’utilisation de lettrages « Custom Shoes » aux styles contrastés apporte une touche urbaine et contemporaine, ancrant cette œuvre dans la culture d’aujourd’hui.
​ »Porter ‘Espoir et Renouveau’, c’est emmener avec soi la preuve que chaque pas peut être une nouvelle naissance.”

Olivier Marechaux

Brusquement face à vous, les Guerriers dégagent une puissance à couper le souffle. Les soldats enterrés de Qin avançaient tout équipés, prêts au combat. Ceux d’Olivier Maréchaux, agenouillés et désarmés, sont des Guerriers de la Sérénité.
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« Je travaillais beaucoup autour de la figure du Bouddha. Puis l’évidence m’est apparue : en ces temps troublés, il fallait plus qu’une douzaine de justes pour sauver le monde. Il fallait une armée ».
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L’artiste est un homme de défi. Originaire de la région parisienne, cantonné dans un espace trop étroit pour son projet, il trouve un site en Champagne à deux heures de la capitale : c’est une ruine. Qu’à cela ne tienne, pendant trois ans, il creuse, abat, coule et ponce pour édifier son propre atelier. Puis, d’une tonne d’argile charriée à la main et longuement pétrie, Olivier Maréchaux fait surgir une armée. Modèle unique d’une quarantaine de centimètres de haut, chaque guerrier a demandé de nombreuses heures de travail et est passé par l’épreuve du feu durant plusieurs jours.
Ferez-vous partie des compagnons des Guerriers ? Serez-vous de ceux qui rassérèneront le monde ?

Compagnon guerrier

Cette œuvre appelée « compagnon guerrier » est le petit modèle de la
collection « le Guerrier de la Sérénité » ; c’est une revisite de l’histoire
de Bouddha ( Siddhartha Gautama) qui interroge nos consciences et
notre identité.

Peïo

L’artiste plasticien Peïo est un artiste pluridisciplinaire qui développe un univers pictural sensible, poétique et coloré. En quête des autres, c’est à travers l’art du portrait qu’il s’épanouit et que ses œuvres prennent tout leur sens. Impossible pour lui de se conformer à un seul courant artistique, Peïo est un touche à tout : toiles, fresques murales, sculptures, planches de surf, tout est prétexte pour développer son expression artistique.

Dans cette perspective, il aime mettre en scène son travail en dehors des cadres convenus, que ce soit dans les vagues de teahupo’o, sur des planches de surfeurs pros pour les Jeux Olympiques ou sur des murs d’une enceinte militaire pour rendre hommage à la première femme pilote de chasse. Peïo ne craint pas cette diversité de projet qui sont pour lui une liberté créatrice salvatrice avec un sens commun celui de capter des émotions et de les traduire dans des œuvres singulières.

A travers son travail, Peïo propose un voyage par delà les océans et les continents, un voyage aussi intérieur, dans ce que représente la diversité des êtres humains

Elaia

Acrylique, encre, fusain, pastels

“Elaïa” nouvelle oeuvre et nouveau portrait ou Peio explore ici les mutliples facettes de l’âme humaine. Une palette chromatique vive et un regard intens : Elaïa vous observe et capte votre attention..

100 x 81 cm

Estimation : 1200 € / 3000 €

Laure Aymard

Née en 1976 dans le sud de la France, elle nourrit depuis toujours  une passion pour le dessin et la peinture.  
Enfant, elle suit les cours de l’École des Beaux-Arts de sa ville et  participe à des ateliers privés, expériences fondatrices qui éveillent  durablement son goût pour la création artistique.  

C’est en 2016, après sa rencontre avec Claire Arnal et son travail  dans l’atelier “Oh Les Beaux Jours”, qu’elle revient pleinement à la  peinture, désormais au cœur de sa vie.  

Son travail explore avant tout l’abstraction, créant des univers où  couleurs et formes dialoguent pour exprimer des émotions libres à  l’interprétation de chacun.  
Elle réalise également des œuvres figuratives, notamment des  portraits, un genre qu’elle affectionne pour son humanité et son  exigence.

Eruption

Photographie encadrée en bois peint en gris

Huile sur toile, ruban toilé sur le contour et fixation à l’arrière.

60 x 80 cm

Estimation : 750 € / 1000 €

Delvaux-paints

Hugues Delvaux, peintre français contemporain, travaille toutes les possibilités de couleurs dans des œuvres extrêmement lumineuses. Au fil des années,il a exploré différentes techniques picturales.

Désormais ces peintures sont réalisées avec de la peinture acrylique exclusivement, en utilisant majoritairement des couleurs franches qui se répondent entre elles. Il a développé plusieurs techniques pour utiliser ce médium: en spray, sous forme de pigments, au pinceau ou avec des feutres spéciaux.

Beaucoup de couleurs vives ou même fluorescentes viennent encore rehausser ces compositions originales. Des touches dorées ou argentées viennent également donner du relief à ses œuvres.

Des micro motifs abstraits aux objets détournés, portraits… on retrouve toujours cette luminosité dans ces peintures . Les œuvres reflètent une vraie envie de toujours explorer de nouvelles possibilités avec ses couleurs.

RAINY DAY

Les taches de couleurs apparaissent comme des fragments suspendus, posés avec liberté mais jamais au hasard. Elles se répondent, se frôlent, s’équilibrent, créant un champ vibrant où chaque nuance trouve sa place.
Les traits verticaux traversent l’ensemble comme une respiration régulière. Ils structurent le regard, instaurent un rythme, presque une cadence, qui guide la lecture du tableau de haut en bas.
Entre éclats chromatiques et lignes tendues, la composition oscille entre mouvement et stabilité. La couleur pulse, la ligne apaise. De cette tension naît une énergie silencieuse, une sensation d’espace et de temps étiré, laissant place à une émotion purement visuelle.

Emmanuel Tissandier

est un artiste autodidacte basé en région parisienne. Après plusieurs années consacrées à l’abstraction, il développe depuis 2016 une série de portraits féminins vibrants et colorés. Son travail mêle techniques et supports — encres, acrylique, aquarelle ou bombe — dans une recherche constante de spontanéité et de lumière.

Entre figuration et abstraction, ses visages émergent de taches, de coulures et de superpositions de couleurs, laissant apparaître des émotions plus suggérées que décrites.

Son univers se déploie aussi bien en atelier que dans l’espace urbain, à travers des interventions de street art, fresques et créations sur supports variés

VERS LA LUMIERE

Dans ce portrait, le visage s’élève vers une lumière invisible, comme porté par une pensée intérieure. Les couleurs se mêlent, se superposent et s’écoulent librement, laissant apparaître des zones de transparence et de vibration. Les taches et les gouttes deviennent des fragments d’émotion, des éclats de souvenirs ou de sensations

Eleonore Mehl

Eléonore Mehl est photographe publicitaire depuis plus de 30 ans et travaille dans son  studio avec une chambre photographique grand format ;  elle collabore avec de  grandes marques et s’est très vite spécialisée dans les univers de la beauté et du luxe,  où elle s’impose comme une référence grâce à une esthétique exigeante et raffinée. 

En 2017, par un jour de pluie, elle capture un instant furtif avec son premier Iphone. Ce  déclic donne naissance à une série complète intitulée «Jeux d’Ô» et marque le début  d’une nouvelle exploration artistique. Loin des contraintes techniques du studio, elle  adopte ce nouvel outil, léger, intuitif et ludique, qui lui permet d’exprimer une autre  facette de son regard : plus libre, plus instinctive, plus poétique.

Depuis, elle poursuit  ce travail personnel, en studio ou en extérieur, comme un terrain d’expérimentation  libre. Elle y explore la magie de l’instant, la beauté brute du monde et la poésie du réel,  laissant libre cours à son imagination et à toute la richesse de sa créativité — entre  minimalisme et émotion pure.

Gymnopédie N°1

Avec Gymnopédie N°1, Eléonore compose une œuvre visuelle en écho  à la musique minimaliste et poétique d’Erik Satie. Comme la célèbre  partition dont elle emprunte le nom, cette photographie avance avec  lenteur  retenue ; le regard se pose sur les arbres nus, transfigurés par  le voile mouvant de la pluie et de l’eau.

Eau et nature se confondent pour apporter mystère et poésie aux arbres ; dans ce paysage intime, ce n’est pas la réalité que l’on contemple, mais son interprétation sensible. Une partition visuelle, jouée au rythme d’un ruissellement, d’un souffle, d’un regard.

Avec Gymnopédie n°1, Eléonore nous invite à ralentir, à ressentir – à écouter l’image autant qu’à la voir.

Aurélien est photographe d’aventure. Des volcans japonais à l’Himalaya népalais, des Dolomites italiennes aux falaises d’Islande, jusqu’aux vallées brumeuses du Viêt Nam, il parcourt des paysages où se rencontrent puissance et poésie. Ses photographies célèbrent le dialogue entre la lumière, les reliefs et le silence, et invitent à l’évasion comme à la contemplation.

Gokyo Cho

La récompense est bien plus grande que la vue de l’Everest depuis son camp de base. Après plusieurs jours de marche à travers les sentiers escarpés, les glaciers et l’altitude de l’Himalaya, le troisième lac sacré de Gokyo apparaît comme un refuge inattendu. Perché à 4 750 mètres, ses eaux turquoise contrastent avec la rudesse des sommets qui l’entourent. Lieu de pèlerinage et de recueillement, il offre une parenthèse de calme où le silence semble, l’espace d’un instant, triompher de la montagne.